Muy buenas tardes

Una producción fantastica.
Nos demuestra que  en la vida va primero nuestras creencias y culturas que un juego. También, que debemos confiar en nosotros mismos y luchar para conseguir lo que queremos.
Nos deja muchos valores como:
Valores: Amistad, tolerancia, fortaleza, sacrificio, rectitud de intención y fidelidad a las propias convicciones, defendiéndolas con valentía cuando es preciso.

LOS 5 DIRECTORES DE LA 2 SEMANA

6. Akira Kurosawa7. Peter Jackson8. Quentin Tarantino9. Me and Orson Welles10. Woody Allen

Akira Kurosawa

Infancia y juventud

Akira fue el séptimo hijo de Isamu y Shima Kurosawa. Nace el 23 de marzo en el distrito de Omori en Tokio. Shima Kurosawa, la madre, tenía cuarenta años cuando nació Akira, y su padre Isamu, cuarenta y cinco. Akira Kurosawa creció en una casa llena de parientes, ocupada por sus padres, uno de sus hermanos mayores y tres de sus hermanas. De los hermanos restantes, uno había fallecido antes de que naciera Akira, y otros dos (uno de los hermanos y una de las hermanas) ya se habían independizado.

Su madre era una mujer abnegada a la que no le importaba sacrificarse por su marido y sus hijos. Procedía de una familia de comerciantes de Osaka.

Su padre era el director de un instituto del ejército japonés, y la propia familia Kurosawa descendía de una línea de antiguos samuráis. Desde el punto de vista económico, su situación era superior a la media. Kurosawa era un admirador de la cultura occidental, tanto en los programas deportivos que organizaba, como en su afición al cine, que acababa de ser introducido en Japón en aquella época. Incluso cuando más adelante la cultura japonesa renegó de las películas occidentales, siguió pensando que constituían una experiencia educativa positiva.

En la escuela primaria comenzó a dibujar bajo la tutela de un profesor que se interesó por su talento. Su hermano mayor, Heigo, tuvo también un profundo impacto en él: Heigo era muy inteligente, ganó varias competiciones académicas, pero tenía también lo que podría denominarse un "lado oscuro" o "cínico".

Filmografía

• Sugata sanshiro, 1943. (La leyenda del gran Judo)
• Ichiban utsukushiku, 1944. (La más bella)
• Zoku sugata sanshiro, 1945. (La nueva leyenda del gran Judo)
• Tora-no-o fumu otokotachi, 1945. (Los hombres que caminan sobre la cola del tigre)
• Asu o tsukuru hitobito, 1946. (Los que construyen el porvenir)
• Waga seishum ni kuinashi, 1946. (No añoro mi juventud)
• Subarashiki nichiyobi, 1947. (Un domingo maravilloso)
• Yoidore tenshi, 1948. (El ángel ebrio)
• Shizukanara ketto, 1949. (Un duelo silencioso)
• Nora inu, 1949. (El perro rabioso)
• Shubun, 1950. (Escándalo)
• Rashōmon,¹ 1950
• Hakuchi, 1951. (El idiota)
• Ikiru, 1952. (Vivir) ENTRE OTRAS MAS...

Peter Jackson

Biografía

Nació en Pukerua Bay, Nueva Zelanda el 31 de octubre de 1961. A los nueve años vioKing Kong y desde entonces quiso ser director de cine. Realizó cortometrajes con la cámara de vídeo que le regalaron sus padres. Jackson comenzó su carrera realizando filmes en su tiempo libre, entre los que destacó en 1987 Bad Taste, rodado el mismo año de su boda con Fran Walsh: un film gore con el que consiguió notoriedad en elfestival de Cannes, comenzando así su carrera profesional en el cine y que le permitió acceder al mundo de Hollywood. Sin embargo, al contrario de otros compatriotas, ha permanecido en su país realizando sus nuevos proyectos: durante este tiempo fue adquiriendo o creando negocios para producir filmes en Nueva Zelanda.

La segunda película El delirante mundo de los Feebles (Meet the Feebles), Jackson utilizó marionetas en una divertida producción en que demuestra talento como creador de originales historias. Trata sobre un grupo de teatro musical. El boom como autor de culto se disparó con Braindead, una película gore entre comedia y terror (ambigüedad debida en buena parte a su trama atrozmente sangrienta) con la cual ganó abundantes premios. Esta película está considerada una de las más gore de la historia.

Jackson también realizó el film Criaturas celestiales, protagonizado por Kate Winslet, una película que se basa en hechos reales sucedidos en Nueva Zelanda. Este filme le permitió probar una manera de hacer cine «más normal», pero sin dejar su humor negro. Con esta película lograría su primera postulación a los premios Óscar como mejor guion y también fue premiado en el Festival de Venecia.

Quentin Tarantino

Quentin Tarantino (n. Knoxville, Tennessee, 27 de marzo de 1963) es un director,guionista, productor y actor estadounidense ganador del premio Óscar y de la Palma de Oro. Comenzó su carrera en la década de los 90, y sus películas se caracterizan en general por emplear historias no lineales, la estetización de la violencia, las influencias estilísticas del Grindhouse, el kung fu y los spaghetti western.

Primeros años

Nació en Knoxville, Tennessee, en 1963, hijo de Tony Tarantino, actor y músico amateur nacido en Queens, y Connie McHugh, una enfermera.¹ Su padre es de ascendencia italiana y su madre es de ascendencia irlandesa y cheroqui.^2 3 4 El nombre de Tarantino hace referencia a un personaje de una serie de televisión, el herrero mestizo Quint interpretado por Burt Reynolds en Gunsmoke. Fue criado por su madre, ya que sus padres se separaron antes de nacer.⁵ Cuando tenía dos años, se trasladaron a Torrance, al sur de Los Ángeles, y más tarde al barrio de Harbor City, donde asistió a la escuela superior Fleming Junior en Lomita, y tomó clases de teatro.⁵Su barrio era una mezcla de blancos y negros por lo que estuvo expuesto a una gran variedad de influencias cinematográficas y de culturas populares. Por ejemplo, las películas de artes marciales, que se seguían poniendo en los barrios negros después de que la fiebre del kung fu se trasladara a otros sitios. Tarantino se las apañó para seguir viéndolas hasta bien entrados los años '70. Asistió a la escuela superior de Narbonne en Harbor City durante un año antes de abandonarla a 15 años para dedicarse a tiempo completo a tomar clases de actuación en la James Best Theater Company en Toluca Lake.⁶

Se puso a trabajar en el videoclub Video Archives en Manhattan Beach junto a otros entusiastas del cine, entre ellos Roger Avary, donde discutían de cine y de las recomendaciones a los clientes. Prestó mucha atención a los tipos de películas que le gustaba alquilar a la gente y ha citado la experiencia como fuente de inspiración para su carrera como director.⁷ El propio Tarantino ha dicho:"Cuando la gente me pregunta si fui a la escuela de cine les digo, ‘no, fui al cine‘"

Me and Orson Welles

(Kenosha, EE UU, 1915-Los Ángeles, 1985) Director, productor, guionista y actor de cine estadounidense. Hijo de un hombre de negocios y de una pianista, Welles fue un niño prodigio que a los dieciséis años comenzó su carrera teatral en el Gate Theatre de Dublín y cinco después (1936) debutó como actor y director en Nueva York. Durante su etapa teatral alcanzó notoriedad gracias a diversos montajes shakespearianos, como el de Macbeth, obra íntegramente representada por actores negros, oJulio César, todos ellos producidos por la Mercury Theatre, compañía fundada por el propio Welles y su socio John Houseman en 1937.

La última etapa de su carrera como director estuvo jalonada de ambiciosos y a la postre inconclusos proyectos, como Don Quichote, The deep o The other side of the Wind. Paralelamente a sus actividades como director y protagonista de sus propios filmes, desarrolló una importante carrera interpretativa en la que destacan títulos como Alma rebelde (1944), de Robert Stevenson, la inolvidable El tercer hombre, de Carol Reed, o Moby Dick, de John Huston. En 1975 recibió del American Film Institute el reconocimiento al conjunto de su carrera artística.

Woody Allen

(Heywood Allen Stewart Konigsberg; Nueva York, 1935) Director, actor y guionista cinematográfico estadounidense. Aunque llegó a ingresar en la universidad, no tardaría en abandonarla. Desde muy joven se dedicó a vender chistes a famosos columnistas y cómicos profesionales (Ed Sullivan, Sid Caesar, Jack Paar o Pat Boone). Más tarde escribió sketchs para clubes nocturnos, revistas de Broadway y programas de televisión, desarrollando una comicidad cercana a la de los clásicos Chaplin, Keaton, Lloyd, hermanos Marx y Jerry Lewis.

Poco a poco, los trabajos de Allen fueron imbuyéndose de su fuerte personalidad, con motivos recurrentes como el judaísmo, el psicoanálisis y la comunicación en la pareja. En esta línea surgieron, tras Manhattan, películas La rosa púrpura de El Cairo(1985) o Hannah y sus hermanas (1986), las dos últimas protagonizadas por Mia Farrow, su nueva pareja tras su ruptura con Diane Keaton a principios de los años ochenta, aunque su relación con esta actriz también llegaría a su fin, en este caso de forma abrupta, hacia 1993.

Durante la década de los noventa, sin perder el humor cáustico que lo caracteriza, las películas de Woody Allen adquirieron un tono más reflexivo y trascendental. Delitos y faltas (1990), Misterioso asesinato en Manhattan (1993), Balas sobre Broadway(1994) y Desmontando a Harry (1998) son otras de sus películas más aclamadas. Los más recientes títulos de su filmografía son La maldición del escorpión de jade (2001), Hollywood ending (2002), Anything else(2003), Melinda y Melinda (2004), Match Point (2005),Scoop (2006) y El sueño de Cassandra (2007).

En 2002 le fue concedido el Premio Príncipe de Asturias de las Artes y en 2007 fue investido doctor honoris causa por la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona. Allen es además autor de varios libros en los que despliega arrolladoramente su cáustico y archiculto humor, como Getting Even (Cómo acabar de una vez por todas con la cultura) y Without Feathers(Sin plumas), y de diversas obras de teatro.

En la gigantesca encuesta realizada por el semanario virtual Con-Fabulación durante los últimos tres meses, los 50 directores que tuvieron mayor votación de los lectores están mencionados a continuación en orden de predilección

LOS MEJORES DIRECTORES DE CINE DE TODOS LOS TIEMPOS

                              5 MEJORES DE LA SEMANA

1.    Steven Spielberg

2.    Alfred Hitchcock

3.    Martin Scorsese

4.    Stanley Kubrick

5.    Sir Ridley Scott

 

STEVEN SPIELBERG

·         Dirección

·         Guionista

·         Actor / Actriz

·         Producción

·         Productores ejecutivos

Nacido

Miércoles, 18 de diciembre de 1946 en Cincinnati, EE.UU.. EE.UU.

Biografía

Steven Spielberg nació el 18 de diciembre de 1946 en Cincinnati. Comenzó su trabajo como director cuando aún era un niño. Atendió a la Universidad de Long Beach, pero lo abandonó para seguir su carrera como director.

Consiguió notoriedad como asistente de director en los clásicos del oeste. Gracias a su corto Amblin en 1969, logró poco a poco introducirse en el mundo del celuloide.

Su trabajo professional comenzó en la television con la serie televisiva protagonizada por Joan Crawford, Rod Serling´s Night Gallery, mientras trabajaba en episodios de Columbo. Su primer largometraje fue en 1971, conEl Diablo sobre ruedas.

Aunque el éxito lo consiguió en 1974 con Loca Evasión, pero finalmente fue Tiburón el filme que lo

Biografía

Primeros años

Fue criado en una familia de clase media. Sus padres, William (1862 - 1914) y Emma (1863 - 1942), eran tenderos de una estricta educacióncatólica y sus hermanos (William y Eileen) eran mayores que él. Su estricta educación, unida a su aspecto algo grueso, hizo que el pequeño Alfred fuera un niño tímido y apocado, elementos de su personalidad que lo acompañarían durante toda su vida. Hitchcock fue enviado al Saint Ignatius College, Londres, pero debido a la muerte de su padre tuvo que abandonar el colegio en 1915 para comenzar a trabajar en la Compañía telegráfica Henley. Hitchcock siempre fue un ávido admirador de Charles Dickens y Edgar Allan Poe y un amante del cine, especialmente tras haber visto "El nacimiento de una nación" de David Wark Griffith.

Entrada en el mundo del cine

En 1920 se dedicaba a hacer los rótulos de varias películas de cine mudo en la Famous Players Lasky. Este trabajo ocasional provocó que, poco a poco, el joven Hitchcock comenzara a apasionarse por el mundo del cine. Es así como empezó a trabajar como montador, director artístico y guionista en películas de directores como Donald Crisp y Hugh Ford. En la Famous Players Lasky conoció a Alma Reville, que trabajaba como montadora, y con la que se casaría en 1926. Alma fue ayudante de dirección y guionista de varias películas de su marido. El 7 de julio de 1928 nació su hija Patricia, que participaría como actriz en Extraños en un tren y en Psicosis.

En el lado profesional, Hitchcock estuvo tres años trabajando como ayudante de dirección de Graham Cutts. En 1923, se le encargó el rodaje del corto Number 13 aunque la producción se detuvo y la película quedó inacabada. De todas maneras, la posibilidad de acabar un largometraje apareció poco después, ya que dirigió en Múnich, en 1925, su primera película completamente acabada: El jardín de la alegría, una coproducción germano-británica que se haría muy popular. Poco después, el realizador londinense dirigió la primera película de cine sonoro de Inglaterra:Blackmail, en 1929. Durante el rodaje, recibió la visita sorpresiva de Isabel Bowes-Lyon, duquesa de York, quien sería la madre de la actual monarca.

Con pocos trabajos, Hitchcock se convirtió en el icono genial de una industria bastante discreta como era la británica. Películas como ¡Asesinato! (Murder!, 1930), El hombre que sabía demasiado (The Man Who Knew Too Much, 1934) y especialmente 39 escalones (The 39 Steps, 1935) lo convirtieron en todo un emblema internacional del nuevo cine británico. Anecdóticamente, era famoso por su costumbre de gastar bromas pesadas, especialmente con los actores.

ALFRED HITCHCOCK EN 1956.

El 22 de agosto de 1937 visitó con su familia Nueva York para entrevistarse con David O. Selznick, productor de Lo que el viento se llevó, quien lo contrató el 14 de julio de 1938. Las condiciones del productor convencieron a Hitchcock y se trasladó junto a su familia a Estados Unidos en 1939.

El primer trabajo que Selznick encargó a Hitchcock fue la adaptación de la novela de Daphne du Maurier Rebeca (1940). Este melodrama gótico explora los miedos de una ilusionada y joven esposa (Joan Fontaine), que se traslada a Gran Bretaña y debe luchar con un marido distante (Sir Laurence Olivier), un ama de llaves demasiado posesiva (Judith Anderson) y la memoria de la fallecida primera esposa de su marido: la bella y misteriosa Rebeca. El film obtuvo once nominaciones al premio Oscar. Pero John Ford se llevó ese año el premio al mejor director por Las uvas de la ira, arrebatándoselo al británico, que jamás ganaría una estatuilla, salvo el premio en memoria de Irving Thalberg, de carácter honorífico. Aparte de esto, empezaron a surgir los primeros problemas entre Selznick y Hitchcock. Y es que el director británico no podía soportar las restricciones fílmicas y artísticas del productor.

La segunda película americana de Hitchcock volvería a estar centrada en Europa. Foreign Correspondent también fue nominada a mejor película. El film fue rodado en el primer año de la Segunda Guerra Mundial y estaba inspirada en los rápidos cambios que experimentaba Europa en esos momentos, descritos por el corresponsal de un diario norteamericano, Joel McCrea. El film mezcló decorados construidos en Hollywood con escenas de la Europa real. Conforme a la censura del Código de Producción de Hollywood, la película evitó referencias directas a Alemania y a los alemanes.¹

A partir de este momento y durante las tres décadas siguientes, dirigió películas en Hollywood a razón de una por año, reservándose en todas ellas una breve aparición (cameo), siempre sin diálogo. Estas breves apariciones se convirtieron en la firma particular que Hitchcock introducía en todas su películas. Paulatinamente, fue situando dichas apariciones cada vez más próximas al inicio de la película, porque, tal como le contó a François Truffaut, el público sabía que dicha aparición se produciría y esto causaba un efecto de distracción con respecto al desarrollo del film.

Posteriormente llegaría Sospecha (1941), protagonizada por Cary Grant, con quien mantuvo una gran amistad. Alfred Hitchcock siempre procuraba escoger para sus películas actores y actrices ya conocidos por alguna faceta, ya fuera la de la sensualidad, la simpatía o la seducción, pensando que así el papel quedaba más fácilmente definido desde el principio. Otro de sus grandes actores fetiche sería James Stewart, con quien coincidió por primera vez en La soga en 1948.

El 26 de septiembre de 1942 murió en Londres su madre a la edad de 79 años. Además, al año siguiente, falleció también su hermano William.

Preocupado por su obesidad mórbida (pesaba 135 kilos), llegó a perder 40 kilos en pocos meses.

MARTIN CHARLES SCORSESE

(Queens, Nueva York, 17 de noviembre de 1942) es un director, guionista, actor y productor estadounidense de cine, ganador de un Óscar, tres Globos de Oro y dos premios BAFTA, así como de otro del Directors Guild of America (gremio de directores de Estados Unidos), además de ser uno de los fundadores de World Cinema Foundation. Condecorado con la Legión de Honor francesa en 1987.
Las obras de Scorsese abordan principalmente los temas de la vida italo-estadounidense y los conceptos de culpa y redención católicos romanos,² el machismo y la violencia endémica en la sociedad estadounidense. Es también conocido por su afición a la música, mundo al que ha dedicado alguna de sus películas (No Direction Home sobre Bob Dylan y Shine a Light, sobre los Rolling Stones). Scorsese es ampliamente considerado como uno de los directores más influyentes de su generación.³
Ganó un premio MFA por su obra como director de cine otorgado por la prestigiosa Escuela de Cine de la Universidad de Nueva York. Tras múltiples nominaciones a lo largo de su carrera, ganó finalmente el Óscar al mejor director por su película The Departed, la cual también ganó el Óscar de mejor película en la 79ª edición de los Premios de la Academia celebrados en 2007. El Óscar se lo entregaron Francis Ford Coppola, George Lucas y Steven Spielberg, que son buenos amigos suyos. A su vez, el 17 de enero del año 2010 se le otorgó el galardón honorífico "Cecil B. DeMille" en los premios Globos de Oro por su "sobresaliente contribución al campo del entretenimiento."⁴
Scorsese es Presidente de The Film Foundation, una fundación sin fines de lucro dedicada a la preservación del material fílmico en deterioro

Biografía

Inicialmente, Scorsese planeaba ordenarse como sacerdote, lo que se nota en muchas de sus películas, que reflejan una crianza católica. Se sintió atraído por el cine a una edad muy temprana con películas como Raices profundas, La ventana indiscreta, o La heredera, y admite estar obsesionado con las películas, obsesión que se aprecia en el documental de 1995 A Personal Journey with Martin Scorsese Through American Movies (Un viaje personal con Martin Scorsese a través de las películas de Estados Unidos). Siendo un niño que enfermaba a menudo, pasaba mucho tiempo de convalecencia en casa, observando desde su ventana lo que ocurría en la calle. Gran parte de su infancia la pasó en cines, lo que contribuyó a su determinación en ser cineasta.

Biografía

Sus primeros años

Nació en un barrio del Bronx de Nueva York, en el seno de una familia de clase media-alta de origen judío. Desde muy joven mostró su interés por la fotografía, que practicaba con una cámara réflex, regalo de sus padres. Otras aficiones eran la música en general, el jazz en particular (llegó a tocar la batería en la Taft Swing Band) y el ajedrez.

Estos tres pasatiempos serían fundamentales para su futura carrera como director. Su afición a la fotografía le permitió, en primer lugar, trabajar para la revista Look, donde hizo reportajes fotográficos a importantes estrellas del momento, y donde se labró una reputación profesional. Su melomanía le permitió a lo largo de toda su carrera poder discutir todos los aspectos relacionados con la banda sonora de sus películas, llegando en ocasiones a prescindir de compositor y escogiendo personalmente piezas de música clásica para sus películas (como en el caso de 2001: A Space Odyssey, descartando en el último momento la banda sonora original de Alex North). Y su afición al ajedrez quizás pulió el perfeccionismo y la futura frialdad profesional del director. El ajedrez, gracias al cual subsistió durante un inestable período de su vida, sería homenajeado en algunas de sus películas, como The Killing o 2001: A Space Odyssey.

Durante su juventud Kubrick iba frecuentemente al cine Loew's Paradise y al Museo de Arte Moderno de Nueva York. Poco a poco nació en él la idea de abandonar su trabajo en Look y dedicarse a la realización de películas. Cuando Kubrick aún concedía entrevistas, se refería a Max Ophüls y Sergéi Eisenstein como sus dos referencias cinematográficas más influyentes, el primero por su trabajo con la cámara, y el segundo por su técnica de montaje.

Day of the Fight sería su primera filmación a modo de documental de 13 minutos, en 1951 (sobre la base de un trabajo fotográfico hecho por él mismo para Look acerca del boxeador Walter Cartier), que financió con su propios ahorros a los 23 años, aprendiendo a usar el equipo por la persona que se lo alquiló.³ El documental fue comprado por RKO para incorporarlo en la serie This is America que fue proyectada en el Paramount Theatre, en Nueva York, dándole a Kubrick un pequeño beneficio económico. La propia RKO le adelantó dinero para el siguiente documental de 9 minutos llamado Flying Padre (a través del cual sacó el título de piloto, aunque años más tarde se negaría a seguir volando), que narraba la vida de un sacerdote que viaja en avioneta de pueblo en pueblo en el estado de Nuevo México . El último de sus documentales que duró 30 minutos sería The Seafarers, su primer trabajo en color. Para esta época Kubrick ya había renunciado a su trabajo en Look y se dedicaría de lleno a la industria del cine.

Su primer largometraje fue Fear and Desire (1953), que financió con 13,000 dólares obtenidos de préstamos familiares. El film trata de un pelotón de soldados que lucha en una tierra sin nombre. Tras la realización de la película se separa de su primera esposa, Toba Metz.

Aunque la película tuvo escaso éxito, le permitió financiar parte de su siguiente trabajo, Killer's Kiss (1955), cuyo presupuesto ascendió a 40,000 dólares, es una película de suspense sobre un boxeador que conoce a la mujer de un mafioso y se enamora de ella. En la película aparece, en el papel de la bailarina, la que sería su segunda esposa, Ruth Sobotka. La película contó con pocos medios, pero el trabajo de Kubrick con la fotografía en blanco y negro llamó la atención de James B. Harris, un productor de la NBC.

SIR RIDLEY SCOTT

 (n. 30 de noviembre de 1937) es un director de cine británico. Es hermano del también director de cine Tony Scott. Ha sido nominado en tres ocasiones a los premios Óscar a la mejor dirección. En enero de 2003 fue nombrado caballero por la reina Isabel II.

Biografía

Scott nació el 30 de noviembre de 1937 en South Shields hijo de Isabel y el coronel Francis Percy Scott. Por el oficio de su padre éste no estuvo muy presente en la infancia de Scott. Después de la Segunda Guerra Mundial, su familia se muda a Teeside. Le gustaba mucho ver películas, siendo sus favoritas Ciudadano Kane de Orson Welles, Lawrence de Arabia de David Lean y Los siete samuráis de Akira Kurosawa.

Estudió en la Royal College of Art, donde ayudó a establecer el Departamento de Cine. Dirigió una película en blanco y negro titulada Boy and Bicycle y protagonizada por su hermano Tony Scott y su padre. La película tenía las características visuales que serían marca de Scott en sus futuras películas. En 1963 consiguió un trabajo como escenógrafo en prácticas en la BBC y trabajó en la serie Out of the Unknow.

En 1968, junto con su hermano Tony, funda Ridley Scott Asociados. Durante los años setenta dirige anuncios televisivos y participa con Alan Parker, Hugh Hudson y Hugh Johnson.

Carrera

Su estilo eleva la importancia de la experiencia sensorial (visual, sonora, auditiva) en un filme. El cine de Scott utiliza a la iluminación, fotografía, creación de ambientes y sincronía con la música y el sonido como "actores" adicionales que contribuyen a la experiencia total del espectador. Esta característica puede ser percibida en los anuncios de televisión que Scott ha dirigido (más de 2000).

Sus primeros filmes (especialmente Los duelistas, Alien, y Blade Runner) proporcionan al espectador una experiencia completa donde las escenas son recordadas no solamente por los actores que intervienen o por momentos específicos del guion, sino por el ambiente recreado en ellas. Se le consideró desde entonces como un visionario del cine.

Ridley Scott fue el primero en utilizar comercialmente la denominación "Director's Cut" (‘montaje del director’) para una obra que el director reedita para el público y en la que se aprecian diferencias con la versión estrenada originalmente.

Algunas de sus películas son consideradas como auténticas obras de culto, especialmente "Blade Runner" y "Alien, el octavo pasajero".

También ha participado junto con su hermano Tony Scott en la producción de la serie basada en el libro del mismo nombre Los pilares de la Tierra.

Filmografía

Como director

• 1965 Boy and a bicycle con Tony Scott.
• 1977 Los duelistas (The duellists) con Keith Carradine, Harvey Keitel, Albert Finney.
• 1979 Blade Runner con Harrison Ford, Sean Young, Rutger Hauer.
• 1982 Alien, el octavo pasajero (Alien) con Sigourney Weaver, Tom Skerritt, John Hurt.
• 1985 Legend con Tom Cruise, Mia Sara, Tim Curry.
• 1987 La sombra del testigo (Someone to Watch Over Me) con Tom Berenger, Mimi Rogers, Lorraine Bracco.
• 1989 Black Rain con Michael Douglas, Andy Garcia y Kate Capshaw.
• 1991 Thelma y Louise con Susan Sarandon, Geena Davis, Brad Pitt.
• 1992 1492: La conquista del paraíso (1492: Conquest of Paradise) con Gérard Depardieu, Sigourney Weaver, Armand Assante.
• 1996 Tormenta blanca (White Squall) con Jeff Bridges, Caroline Goodall, John Savage.
• 1997 La teniente O'Neil (G.I. Jane) con Demi Moore, Viggo Mortensen, Anne Bancroft.
• 2000 Gladiator con Russell Crowe, Joaquin Phoenix, Connie Nielsen.
• 2001 Hannibal con Anthony Hopkins, Julianne Moore, Ray Liotta.
• 2002 Black Hawk Derribado (Black Hawk Down) con Josh Hartnett, Eric Bana, Ewan McGregor.
• 2003 Los impostores (Matchstick Men) con Nicolas Cage, Sam Rockwell, Alison Lohman.
• 2005 El reino de los cielos (Kingdom of Heaven) con Orlando Bloom, Eva Green, Liam Neeson.
• 2006 Un buen año (A Good Year) con Russell Crowe, Abbie Cornish, Albert Finney, Marion Cotillard.
• 2007 American Gangster con Denzel Washington y Russell Crowe.
• 2008 Red de mentiras (Body of Lies) con Leonardo DiCaprio y Russell Crowe.
• 2010 Robin Hood con Russell Crowe y Mark Strong.
• 2012 Prometheus con Noomi Rapace, Charlize Theron y Michael Fassbender.
• 2013 The Counselor con Michael Fassbender, Penélope Cruz, Angelina Jolie, Brad Pitt y Javier Bardem.³